CONSTRUYENDO UNA UTOPÍA CON SAMUEL ROSS DE A-COLD-WALL*

Anunciando una nueva era en ACW*, FIN. visita a Samuel Ross en su estudio de Londres para hablar de utopía, minimalismo y diseño con permanencia.

Comenzando el próximo capítulo de su vida y carrera, el fundador de ACW*, Samuel Ross, se ha convertido en la encarnación de la historia de niños a hombres que ha estado escribiendo desde que lanzó su sello en 2015. Pasando elegantemente del joven protegido de Virgil y Kanye a un intelectual fuerza de diseño enteramente de su propia creación, Samuel Ross es un visionario creativo para una nueva generación.

Una piedra angular del movimiento de arte y comercio que ha caracterizado al joven diseño británico durante la última década, Ross está dando vuelta a la página: madurando su producción en una amalgama más sutil de sus narrativas de alto concepto y destreza técnica y moviendo la etiqueta en una dirección más refinada antes de la inevitable oscilación del péndulo a medida que la ropa de calle (en su configuración actual) se detiene en el punto de saturación.

Sin embargo, debajo del cambio estratégico, el impulso de Ross de adoptar un enfoque menos provocativo es sintomático de una transición más grande en su vida personal. Padre de una hija pequeña, la relación de Ross con el consumismo ha cambiado a medida que cambia de marcha, optando por construir una nueva visión de la utopía a través de sus colecciones en lugar de comentar sobre las estructuras y la sociedad en su forma actual, un tema que dominó el primer capítulo de su carrera. . En esencia: ACW* ya no se trata de sostener un espejo a la sociedad y decir 'así es como es'; ACW* es un holograma de un futuro no muy lejano, que se emite para decirnos 'así es como podría ser'.

Escondido cuidadosamente en un laberinto de edificios interconectados en el terraplén de Westminster, Samuel Ross ha logrado rodearse a sí mismo y a su equipo con un tablero de humor en constante evolución, que se manifiesta en la forma de una estructura brutalista y contemporánea que actualmente se está reutilizando como el último edificio de Londres. centro para el talento de diseño de primer nivel. Ubicado en medio del caos de la construcción, una letanía de materiales naturales e industriales que coexisten en una armonía discordante que se siente claramente ACW*, entrar al estudio de Samuel en el segundo piso se siente como ser absorbido por un vórtice hacia un idilio utópico. Un espacio donde las referencias en conflicto y los materiales que yacían en desorden más allá de estas cuatro paredes de repente se enfocan: vibrando con claridad, como si entrara en una estela en el ojo de la mente de Samuel.

Marcando el comienzo de este próximo capítulo cuando ACW* AW20 se lanza al END., nos sentamos con Samuel Ross para inaugurar esta nueva versión de A-COLD-WALL* y escuchamos una historia de evolución en las propias palabras distintivas de Samuel.

ACW* se ha sentido como un modelo de reinvención desde el principio; en constante evolución tanto internamente como empresa como externamente en términos de lo que ha puesto para satisfacer las necesidades del ahora. ¿Esta idea de reinvención o renacimiento alimenta tu creatividad?

Correcto: el diálogo inicial y el propósito de A-COLD-WALL* se basa en comunicar lo que normalmente no se destaca o, por defecto, se pasa por alto. Aunque no es una subversión juvenil, está más cerca de examinar el poder blando, extrapolando puntos de interés.

Los mensajes se comunican e informan a través de las leyes del brutalismo, la teoría social y la práctica industrial, centrados en la fabricación, el corte de patrones experimentales y los tratamientos de materiales.

Entre 2015 - 2017 nuestra forma de comunicación estuvo más en sintonía con el maximalismo y la hiperexperimentación. Estos años seminales establecieron nuestra paleta característica, el tratamiento del material creado a mano y la negativa a definir la práctica (estos dos años representan la agitación y la construcción de la expresión artística). Siendo las prendas el núcleo del diálogo, cultivando una energía comunitaria en torno a los temas destacados y los resultados de tales experimentos.

2018 representa un punto de inflexión; la abstracción se mantuvo e incrustó en el lenguaje de la prenda, un enfoque definido en la asimetría comienza a aparecer junto con la introducción de telas y productores de lujo, lo que indica un enfoque estructurado para el desarrollo de la colección.

Para enfocar los sentimientos anteriores, la siguiente fase conduce directamente a la evolución que demuestra AW20.

Para AW20 hubo un cambio definitivo en el tono y la dirección de la marca; alejándose de la base conceptual del streetwear y instalándose en un espacio centrado en la moda masculina más refinado. ¿Cuál fue el impulso detrás del cambio?

El cambio fue impulsado por la verdad absoluta. Establecer una conversación mínima, funcional y basada en la adaptación del rendimiento. Cimentando el cambio, vienen a la mente las nociones de la niñez a la edad adulta: la transición a una frecuencia mucho más refinada respalda mucho el desarrollo personal. Me volví minimalista; tiró y vendió cientos de objetos y prendas. Eliminé todos los objetos decorativos que no tenían ninguna función o atributos cualitativos en mi sala de estar y estudio. AW20 resume una opinión destilada y aguda, invirtiendo el concepto de riesgo, proponiendo riesgo y progresión, a través de un formato cuantificable, frente a lo abstracto.

Este cambio estético fue de la mano con el traslado de los espectáculos de la marca a Milán, accediendo a los ricos patrimonios de sastrería y trajes que existen allí. En un panorama posterior a COVID, ¿cree que la ubicación geográfica de los espectáculos seguirá siendo tan relevante como lo ha sido tradicionalmente?

Sin duda, la psique de una geografía conserva sus minucias, su permanencia y tangibilidad a través de la memoria compartida, los valores culturales impermeables y la verborrea. Nuestras películas, producción y narración de temporada permanecerán en línea con el calendario de Milán, aunque la capacidad de introducirse en nuevas geografías sigue siendo una perspectiva emocionante.

La colección AW20 fue diseñada antes de COVID. Como diseñador que siempre ha estado al tanto del espíritu de la época, ¿cree que la pandemia y el confinamiento posterior tendrán un impacto duradero en su trabajo en las próximas temporadas? ¿Cómo podría manifestarse eso?

Sí, el esencialismo como tema de conversación es increíblemente importante. COVID amplifica el dilema al que se han enfrentado una gran cantidad de marcas de moda: la decoración no complementa ni reemplaza el propósito y la función. Los sistemas de valores deben volver a comprometerse. La cuestión existencial del propósito está surcando la fachada victoriana de la moda en este momento. Es hermoso; estamos en el siglo XXI. Uno que alude al totalitarismo, que justamente ha sido objeto de escrutinio durante el COVID. La otra propuesta de valor señala una filosofía igualitaria dentro de una industria que anteriormente no ofrecía las opciones individuales de compra, respaldada por principios y filosofías fundamentales.

Has estado explorando un enfoque más minimalista, tanto en tu trabajo como en tu vida personal. ¿Cómo ha cambiado esta mentalidad el proceso de diseño para AW20? ¿Crees que el tamaño general y la escala de las colecciones de moda deberían reevaluarse?

De hecho, el enfoque en enfoques minimalistas para procesar y organizar la información brinda mucho más enfoque y tiempo para considerar la objetividad y las necesidades del producto. Es la búsqueda de producir prendas 'perfectas', adaptadas y diseñadas para un propósito. Simplemente se dedica más tiempo a la comunicación de productos de alta calidad y la resolución de problemas que a la codificación teatral.

Al igual que el interminable debate sobre si la moda es arte o algo completamente diferente, también existe un debate sobre si la moda existe o no como algo social. Me encantaría escuchar sus pensamientos sobre eso?

La moda puede ser anfitriona del arte, sentarse paralelamente al arte y estar en diálogo continuo con el arte. Fundamentalmente, la 'Moda' (un conglomerado de libre mercado de múltiples industrias) debe identificar y servir a su usuario, ofreciendo una perspectiva o servicio único a través de su producto final para generar ingresos. La honestidad de este sistema destaca la naturaleza transaccional de los bienes en venta dentro de un panorama competitivo. El arte no tiene maestro. La moda es tribal. Las prendas son códice.

Para mí, ACW* siempre ha sido esta infusión eléctrica de narrativas de alto concepto e ideales de diseño técnicos, casi utilitarios. ¿Cómo se ha entretejido ese sistema de valores en esta nueva era de ACW*?

Estoy de acuerdo con las narrativas de alto concepto y los ideales técnicos. La utilidad se reemplaza con la funcionalidad, que va más allá de reemplazar palabras: esta progresión ha recalibrado fundamentalmente cómo y qué diseñamos, por qué diseñamos.

Los ideales ahora se actualizan como un producto, lo cual es brillante. Los ideales hablan a través del material, la construcción y la calidad. Se necesita algo de tiempo para construir una cadena de suministro confiable y hemos pasado mucho tiempo haciéndolo. Alejarse de la hipérbole de los mensajes frenéticos en las redes sociales al tiempo dedicado al proceso, la construcción de cimientos y la ejecución precisa.

Estos cambios y los valores en evolución han determinado la cultura de la empresa y la permanencia del futuro de A-COLD-WALL*. Estamos mucho más cerca del diseño industrial y de productos en términos de nuestros valores. Se trata menos de hipercomunicación y más de procesos metódicos en los que puede confiar.

Leí una entrevista en la que dijiste que sentías que era hora de pasar la batuta del streetwear a la próxima generación, un reflejo de cómo se siente como si Virgil te pasara la batuta a ti en cierto sentido. ¿Quién crees que está surgiendo ahora que estaría listo para llevar el streetwear en una nueva dirección?

Ese es un análisis sucinto.

Es difícil comentar. Es mejor que un grupo más amplio de personas elija a esa persona.

¿Crees que a medida que te has hecho mayor y más experimentado, tu deseo de provocar con tu trabajo se ha satisfecho un poco, o recién estás comenzando?

El riesgo de que la provocación se convierta en un tropo o una novedad puede ser fácilmente secuestrado y malinterpretado. También está la falacia del arte como moda de la que hablamos anteriormente. Mis pensamientos actuales son que la provocación es más placentera y ampliamente entendida a través del poder suave y los detalles granulares: es más apropiado y está en sintonía con la portabilidad.

La provocación se ha trasladado al rendimiento con respecto a A-COLD-WALL*. El SP1 y las instalaciones que atraen al usuario (digitales y físicas) complementarán el enfoque esotérico destacado entre 2016 y 2017, abriendo la comunicación como un foro abierto frente a una narrativa única.

También se han desarrollado otras vías para facilitar tales expresiones. Paso más tiempo desarrollando muebles y esculturas públicas que facilitan la hiperexperimentación de la forma en el foro público.